蒙德里安发表论文

蒙德里安是荷兰著名的画家，是非具象绘画的创始人之一，那么?下面是我为你搜集蒙德里安作品特点，希望对你有帮助! 蒙德里安作品特点 蒙德里安认为艺术是脱离自然的外在形式，应该以表现抽象精神为主要目的，要追求人与神的绝对统一的境界，说的通俗点也就是后世所说的纯粹抽象。所以蒙德里安早期的作品是写实的人物和风景，而后来就逐渐把数目的形态全部简化成水平和垂直的直线，从内省的深刻观感和自己的观察中，创造普遍的现象秩序，展现均衡之美。如在蒙德里安的作品《海堤与海》中几乎是看不见曲线的，整个画作全是由直线构成，在形式上已经显示出了事物的生命力，但是蒙德里安并不是十分满意，因为他觉得缺少了真正的现实的感觉。 蒙德里安作品风格其实并不是一成不变的，比如在其17岁之前他的作品是浪漫写实的，后来又受到印象主义和象征主义的风格的影响，蒙德里安的风格渐渐脱离海牙派。等到蒙德里安接触了毕加索和布拉克等立体派的作品后，蒙德里安便开始在作品中加入音乐性的节奏感，其作品开始渐渐以抽象的方式呈现，也慢慢加入了个人特色。晚期的蒙德里安的作品领域非常广，所以他的作品对后世的建筑、设计行业都产生重要影响。 蒙德里安作品 蒙德里安是上个世纪荷兰著名的作家，蒙德里安作品非常多，他和荷兰的“风格派”是当时的一种艺术运动，而且这个运动并不局限于绘画，所以蒙德里安作品对当时的建筑、家居、装饰、设计等领域都有一定的影响。 1910年之后，蒙德里安便开始非常喜欢和崇拜立体主义。蒙德里安有一幅名叫《灰色的树》的作品，树木是蒙德里安非常喜欢的题材，在这幅画中，他把梵高的表现性和野兽派色彩的非描述性与法国的新艺术运动融合在一起，构成了一幅成型的而且造型感十分强烈的作品，非常具有个人特色。这幅画的尺寸大小是78*107，完成于1912年，现在这幅画被珍藏在荷兰海牙格敏特博物馆。由这幅画就可以看出，当时的蒙德里安已经是陷入立体主义的块面结构中不可自拔。 1917年蒙德里安和几位好友一同创立了风格派社团，还为这个社团创立了杂志。之后蒙德里安曾提出抽象艺术的首要和最基本的规律就是艺术的平衡，他的这一观点在其作品《构图》中有充分的体现，这幅作品的大小是61850厘米，现在被收藏家收藏了。在这幅画中也处处体现著蒙德里安在处处排除曲线，尽量用直线和横线的特点，他用大大小小不同的色块来追求表里平衡、集体平衡。 后期的蒙德里安在自己的作品中已经不画眼睛可以看得见的实物，而是全用直线、直角、三原色和三非原色来抽象表现。 蒙德里安的抽象 蒙德里安的抽象在上个世纪是非常有特色的，他的作品用以一种独一无二的姿态向世人展现出来。在蒙德里安的画作中经常用纯粹的直线、色块来抽象地展现他要表达的思想，他的抽象影响了很多领域，如绘画界、建筑界、广告界等。 蒙德里安的很多画作是方格子的画面，他的这些画作为抽象艺术留下了不可替代的视觉经验，大大推动了抽象艺术的发展。其实蒙德里安的抽象世界并不是一跃而就的，而是慢慢积累，慢慢转变，最后才形成属于自己的抽象风格。 1892年蒙德里安进入阿姆斯特丹的艺术学院学习，经过正规的训练，蒙德里安开始研究立体主义的画画风格，于是蒙德里安创作了2幅《静物与姜罐》，在这两幅画中其实就可以看出来，蒙德里安的风格已经开始向抽象转变，在这两幅画中，物体的形象已经变成了基本的线条和几何形状，这和蒙德里安早期的风格是不同的，蒙德里安早期是自然主义的风格，而且属于写实派，而在《静物与姜罐》中，不仅线条简单，连色彩都被简化了很多。 1917年，蒙德里安的风格在经过几次转变后，开始发展成只画眼睛看不到的东西，蒙德里安自己称之为新造型主义，1919年蒙德里安在法国发表《论新造型主义》，在这篇文章中，蒙德里安深入阐述了自己的抽象主义艺术理论，这时候蒙德里安的抽象艺术已经正式走上他的画画舞台。

画家蒙德里安曾以“新造型主义”(Neo-plasticism)为题发表论文,以新造型主义在最具商业气息的环境中产生的美国流线型风格正是给现代主义的清高以巨大冲击

现代抽象艺术与古典艺术的一大区别，在于它把绘画由具象演变为了高度概括的抽象，借以表达主观意志。 在《论艺术中的精神》这本书中，康定斯基第一次完整阐述了抽象艺术理论。到了晚年，他更是宣称：“艺术的目的和内容是浪漫主义，而我的作品中一直大量用圆。” 与康定斯基的“圆”不同，另一位抽象画家，彼埃·蒙德里安，他最常使用的是直线和方块。那些“红黄蓝灰格子”，开拓了他的一片艺术天地，追求的是“纯粹抽象”。蒙德里安独创的“格子元素”，历经百年，至今仍然被广泛使用。 职业画家的理想 蒙德里安一开始，并不是抽象的蒙德里安。1872年出生于荷兰阿麦斯福特的他，成长在清教徒的家庭，有一个姐姐和三个弟弟。他的父亲是一位小学校长，业余时间热爱美术，蒙德里安从小就在艺术的熏陶下长大。 8岁那年，他立志要当一名画家，遭到家人的强烈反对。父母认为，艺术家是一项很不稳定的工作。蒙德里安做出了妥协，承诺去考美术教师。然而，在他20岁拥有中学教师资格之后，并没有进入教育界。 蒙德里安的叔叔弗里茨，是一位荷兰传统风景画家。在取得教师资格之前，蒙德里安一直跟着叔叔学习，得到了海牙画派的真传。 受到叔叔的影响，蒙德里安早期的作品，以写实风景画为主。那时，他经常到河边写生，勤奋的描绘着自然风光，家乡的河流、原野和风车，浪漫而安谧，填满了他的每一幅画面。 1892年，蒙德里安告别家乡，进入阿姆斯特丹的国立艺术学院学习，开始了他迈向职业画家的第一步。学院派的正规训练，进一步强化了他的写实能力。 起初，他深受老师的荷兰印象派手法影响，逐渐脱离了海牙画派。直到1903年，他去比利时探望朋友，比利时风景画的干净线条和冷淡色调，一下子击中了他。 蒙德里安第一次尝试着改变画风，减少了传统绘画中的光影表现，更多采用线条和形状的组合式构图。《静物》是这一年的代表作品，获得了艺术家协会的肯定。作品中严谨的构图和豪放的笔触，兼具古典与现代的特征，初次展露出蒙德里安的锋芒。 旅途结束以后，1905年，回到阿姆斯特丹的蒙德里安，被朋友带去参观了荷兰光色派的大型展览，并由此接触到了法国的后印象派风格。于是，蒙德里安有了第二次转变，开始减少用色和使用原始色。 1908年的作品《受难之花》，使用了点彩法，属于后印象派里的一个分支。女孩身上的背心，由白、灰、红混合而成，大的冷色调中透出了一股暖意。 进一步唤醒蒙德里安的，是荷兰同胞梵高炙热明艳的笔触。蒙德里安终于发现，真实并不局限于写实的物体，大自然需要通过人的感受与思考，做出二次诠释。就此，他的抽象意识觉醒。 走向抽象 1909年，蒙德里安加入了“荷兰通神论者协会”，这个协会的核心思想是创造一个超越种族、性别、信仰的人类大家庭。蒙德里安借此接触到了新柏拉图主义和多神论思想，开始探索更为深刻的人类真理。 蒙德里安成长最关键的一年，发生在39岁的时候。1911年10月，他在巴黎参加了一场展览，看见了毕加索和布拉克的立体派作品，受到了极大的震撼。第二年，他就毅然解除婚约，将名字“Mondriaan”中的一个“a”去掉，然后奔赴巴黎，研究起了立体派绘画，这是他的第三次转变。 这个阶段的早些时候，他的作品是平面化的，充斥着基本线条和几何形状，由大面积的色块填充，并且开始为画面留白。 但是很显然，立体主义不是他的最终目的，没过多久，蒙德里安就揉入了个人观念。那些单刀直入的线条，试图彻底摆脱立体派的常规束缚。因为蒙德里安认为，立体派仍然是自然主义的，而艺术应该揭示自然的最真实本质，那就是：平面、色彩、节奏与韵律。 浪漫至极的巴黎，创作之外的生活中，蒙德里安迷上了瑞典舞者让·博林的舞蹈。很快，他就掌握了西迷舞、狐步舞和一步舞。可惜由于贫穷，他始终没能遇上合适的女性。 《裸体》创作于1912年，这是杜尚《下楼梯的裸女》的姊妹作品。蒙德里安越来越注重整体结构，运用横竖相交的线条，来表达眼前的景观。同时借助线条、色彩和区域分布，来达到某种和谐。 在1913年，蒙德里安得出了一个结论：自然形体要简化成抽象符号，上升为“纯粹实在”。 可是理想太丰满，现实很骨感。蒙德里安并没有卖出去自己的作品，他不得不靠友人的资助度日。那些人买回去这些画作，当成对他的鼓励。而房东也为他开出了相当良心的租金价格，可是缺钱这件事情，始终困扰着这个穷画家。 新造型主义 1914年的夏天，蒙德里安的父亲病危，他只能回到了荷兰。随后，第一次世界大战爆发，完全浇灭了他重返巴黎的希望。在这段躲避战乱的日子里，蒙德里安开始了他的第四次转变。 新柏拉图主义哲学家舍恩迈克斯提出：水平和垂直是世界构成的两大基础，红黄蓝是三种基本颜色。他的这一哲学理念，给了蒙德里安决定性的冲击。 也是在这段时间里，蒙德里安结识了两位抽象艺术家：巴特范德莱克、杜斯堡。1916年，蒙德里安与彩色玻璃艺术家巴特范德莱克相遇，后者的作品只使用三原色，蒙德里安被这种风格深深吸引，从中受益匪浅。 杜斯堡是蒙德里安在一个展览上认识的，1917年，他们合伙创办了美术期刊《风格》。蒙德里安在上面发表文章，阐述他的艺术思想。最基本的元素：直线、三原色（红黄蓝）与三非色（黑、白、灰），成为了他们议论的主角。 创作于1918年的《46岁自画像》，是这一时期具有典型意义的作品。肖像的头部四周，排列着若干个抽象的方形，似乎寓意着这些几何图形，已经时时刻刻充斥着作者的脑袋。 蒙德里安主张“从抽象的角度理解整个自然，几何与颜色则是最有效表达出这种精神意义上的抽象式真理”。后来，他将其称为“新造型主义”。 创造格子画 1918年，西班牙爆发大流感，蒙德里安逃过一劫，幸存了下来。战争已经结束了，他终于重返巴黎。此时，法国不同艺术流派的交流、碰撞，产生了奇妙的化学反应。高度自由的创作环境，让蒙德里安感觉十分的舒适。到了1919年，他发现了新的表现形式，尝试着创作网格型的作品。 线条与色块，通过精心的分割重组，抽象成了具有韵律感的简洁画面。起初，蒙德里安使用的是灰色的线条，格子较小，数量众多。1919年的作品《网格构成5》，就属于这一类。 1920年后期，蒙德里安的作品变得更加大胆，他创作出了抽象绘画《构成A》。这时的格子明显增大，数量有所减少，并且出现了白色的格子。 1922年的《红、蓝、黄、黑构图》，更是将蒙德里安推向了绘画生涯的第一次巅峰。这幅作品虽然没有采用常见的平衡构图方式，却体现了他在不规则中寻找平衡的艺术思想。 遗憾的是，后来杜斯堡坚持在风格派绘画中使用对角线，蒙德里安则强烈反对。这两位合作伙伴的分歧越来越大，杜斯堡甚至在《风格》上发表文章，讽刺蒙德里安的“新造型主义”。最终导致两人不欢而散，蒙德里安彻底退出了风格派。 离开以后，蒙德里安变得越来越“孤僻”了，他总是独来独往，沉浸于自我的艺术世界中。1930年，他的几何抽象风格代表作诞生了，那就是《红、黄、蓝的构成》。 画面由七个大小不同的矩形构成，只采用三原色，除了垂直线就是水平线，除了直角就是方块，科学的分割与组合，使整个作品产生了一种和谐的平衡感。 结合当时的世界局势，蒙德里安其实是想借助自己的创作，来表达对于战争的反抗。 现代主义的灵感之源 第二次世界大战以后，纳粹盯上了蒙德里安的作品。1940年秋天，他被迫离开欧洲，在朋友们的帮助下，搬到了美国纽约居住。远离战事纷扰，蒙德里安加入了美国抽象艺术家协会。到了晚上，则会和友人去纽约黑人住宅区，欣赏爵士乐演奏会。 曼哈顿五光十色的生活，激发了蒙德里安新的创作灵感。他像换了一个人，完全放弃了使用黑线，打散了大方块，只留下红黄蓝小色块，并列排成一条，就像音符在画布上舞蹈，画作变得轻松起来。 纽约时期的经典代表，是1943年所做的《百老汇爵士乐》。这也是蒙德里安一生中最后一件完成的作品。 这幅一米多宽的正方形作品，由红黄蓝灰四种色块构成，刻画出了蒙德里安眼中的百老汇繁华。透过那些大小不一的格子，仿佛能嗅到车水马龙的大都市气息。密织的垂直和水平线条，像极了城市道路。而点点的色块，似爵士乐一般跳跃变化，又如同霓虹灯光在闪烁。 这是蒙德里安艺术生涯的最后一次巅峰，寄托着艺术家对和平与美好的无限向往。然而，他还是没能熬到战争结束，1944年2月1日，蒙德里安在纽约溘然长逝，享年72岁。 蒙德里安终身未婚，执着而淡泊，他将自己完全献给了艺术。终极一生，这位特立独行的画家，都在追求心中那个纯粹的精神世界。希望通过最简洁的方式，表现最宏大的宇宙，建立起理性秩序的平衡。 之后的岁月，他强烈的个人风格，成为了艺术领域的灵感之源。1965年，法国时尚设计师伊夫·圣罗兰，将蒙德里安《红黄蓝构图》的绘画作品，与秋季时装设计巧妙结合，创造了“蒙德里安裙”。这些由基础色块和黑线组成的裙子，成为了一代经典，进入了时装史的殿堂。 蒙德里安的艺术风格，对现代设计产生了革命性的影响。一直到今天，人们追随蒙德里安的脚步始终没有停止，大到建筑、工业，小到服装、家居，一代又一代的设计师们，从他那里汲取着养分。某种程度上说，蒙德里安超越了和他同时代的那些画家。 有人说，“蒙德里安意味着现代主义，他就是现代主义起源时期的图腾。”有他的地方，就有前沿艺术，就有对世界本源的探索，也许这就是蒙德里安的意义所在。